Dadaísmo y surrealismo

Cabaret Voltaire

El Cabaret Voltaire, Zurich © myself

8 De febrero de 1916, Cabaret Voltaire, Suiza. 3 artistas: Tristan Tzara (poeta), Richard Hübabeck (escritor) y Hans Arp (pintor y escultor) deciden crear una actitud de un curioso nombre, Dada, en dicho cabaret fundado por el poeta alemán Hugo Ball.


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Ejemplar de la revista Der Stijl con el obituario de Hugo Ball. Theo van Doesburg (1883-1931) and anonymous (photographer) – Ad Petersen (ed.; 1968) De Stijl [deel] 2. 1921_1932. Complete Reprint 1968, Amsterdam: Athenaeum, Den Haag: Bert Bakker, Amsterdam: Polak & Van Gennep, p. 589.

HistoriaS del dadaismo

Signifique lo que signifique tal denominación, simboliza la improvisación que siempre acompañó al movimiento. E improvisación, azar y provocación son las características que mejor definen a estos artistas y a sus obras, pero estas personas, ante todo, renegaban de la Nueva Vanguardia. Con tal de renegar, renegaban de la misma humanidad, pues pensaban que ésta, al permitir la guerra (la primera Guerra Mundial, 1914-1918), era decadente y merecía la más absoluta repulsa.

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Una aeronave alemana Friedrichshafen incrustada en un edificio en Alemania, 1918, Foto: Reuters / Archive of Modern Conflict London

Decadente no sólo la opinión de la masa en favor de la guerra, sino el discurso oficial promovido por los gobiernos: un discurso Clasista y Nacionalista prebélico. Tal discurso prometía el progreso técnico, social y económico pero se convirtió en destrucción, odio y miseria. Entonces, como es lógico, negaban todo proceso de creación racional, y lo sustituían por la improvisación. Por lo tanto, la Revolución que ellos pretendían con la improvisación era falsa, lo sabían muy bien, sólo exigían Anarquía, y la única salida que veían era la de rechazar la historia y regresar al punto cero de la misma.

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Voluntarios Belgas para la guerra, 9 de agosto de 1914 © Agence Rol — Gallica (Bibliothèque nationale de France)

Invenciones dada

Los dadaístas, si se les puede llamar así, niegan la relación entre Arte y Sociedad. Despreciaban tanto a la masa social que incluso alguno de ellos firmaba sus obras bajo un seudónimo.

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Hans Arp y Hugo Ball en las ruinas Pompeya (Italia). Fotografía publicada en la revista Der Stijl, en 1927.

1- Teatro absurdo, que lo toman prestado del futurismo italiano.

Escena dadaísta de la obra teatral 'Le coeur à gaz' © dadart.com

Escena dadaísta de la obra teatral ‘Le coeur à gaz’ © dadart.com

2- Escritura en revistas y panfletos en la que separan la forma y el contenido de las palabras, es decir, utilizaron distintos tipos y tamaños para las letras y escribieron tanto de derecha a izquierda como de abajo-arriba. En el fondo, si se piensa un poco, parece una contradicción, una ambigüedad, pues nadie que tuviese una de sus publicaciones en las manos se enteraba de lo que veía y leía. Tal vez los del ‘Dada’ contemplaban así el mundo que les rodeaba.

Póster del matinée Dada, 1923 © dadart.com

Póster del matinée Dada, 1923 © dadart.com

3- Ready-Mades: la elección de un objeto para una obra de arte constituía para ellos el propio ready-made. En algunos casos sólo firmaban la obra, como Marcel Duchamp, que cambia completamente el significado de un objeto con esa mínima intervención. Otros artistas hacen todo lo contrario, y en sus obras vemos que mezclan pintura con escultura, objetos artesanales con industriales…el significado puede encontrarse en el simple rechazo a la Nueva Vanguardia, no a los post-impresionistas, simbolistas, costumbristas, sino a la de los abstractos y cubistas, y es que la propia “actitud Dadá” consideraba a estas dos últimas una tomadura de pelo. Consideraban también unos hipócritas e ignorantes a los entendidos de lo abstracto.

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Fuente, 1917, obra de Marcel Duchamp fotografiada por Alfred Stieglitz en el 291 después de la exposición de 1917 de la Sociedad de Artistas Independientes.

Sedes, historia, representantes y características de la Actitud Dada

En este arte plástico y también literario, ¿Qué referencias tenían? Podemos hablar de Courbet en la pintura y de Rimbaud en la poesía. ¿Podemos hablar de períodos? Sí, dos períodos: durante la guerra y durante la posguerra. ¿Al Dadaísmo sólo lo encontramos en Zurich? No, es un (anti) estilo internacional que además de Zurich (1916-1919), podemos ver en Nueva York (1916-1920), París (1919-1922), Barcelona (1916), Berlín (1918-1923), Hannover (1919-1923) y Colonia (1919-1922), cada núcleo con sus singularidades pero con sus rasgos comunes.

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El cuadro Un rincón de la mesa (1872), de Henri Fantin-Latour: a la izquierda aparecen sentados Verlaine (casi calvo) y Rimbaud (con el cabello revuelto).

Zurich (1916-1919) Con el lema: “yo sería bueno si supiera por qué…” surge en el famoso Cabaret Voltaire. Allí es, en 1916, donde se edita la primera de las revistas del movimiento llamada ‘Cabaret’, y en la que colaboran Picasso, ModiglianiApollinaire entre otros. En abril de ese año Tzara propone la creación de una revista, Dada, en la que publica el propio Tzara y Arp, y en la que mediante la escritura automática intentan romper las barreras de lo casual y de los consciente (se adelantan a los surrealistas). Pero además de las revistas, en el Voltaire actúan recitando poemas simultáneos, representan obras de teatro provocadoras en las que insultan al público y ofrecen conferencias para despreciar el Arte Abstracto.

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El Cabaret Voltaire en la actualidad © Adrian Michael

Podemos destacar de entre sus miembros a Hans Arp, y aunque sus primeras obras son expresionistas y muestran influencia de la etapa en el Der Blaue Reiter de Kandinski, ya en 1915 sus obras son no-figurativas por medio del collage. Además, fue el primero en utilizar el azar como un elemento más en la obra creativa.

Hans Arp, 1925

Hans Arp, 1925 (?). Photo. From De Stijl, vol. 7, nr. 73/74 (January 1926).

Nueva York (1916-1920)

Los franceses Marcel Duchamp y Francis Picabia, exiliados en Nueva York, difunden el dada junto al prestigioso fotógrafo Alfred Stieglitz y su grupo (Man Ray entre ellos). Objetivo: introducir el arte moderno en Estados Unidos. Para ello organizaron una exposición con lo mejor de los artistas de la  Primera Vanguardia (Gaugin, Cézanne, Van Gogh, Matisse, Redon, Picasso, Duchamp  Picabia). Los más reconocidos de la sucursal neoyorkina fueron Man Ray y los franceses exiliados: Francis Picabia y Marcel Duchamp. El primero satiriza el arte abstracto y el Futurismo, y el segundo reivindica el anti-arte. Por su parte, Man Ray crea objetos sin ninguna utilidad.

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Entrada de la Exhibición Internacional de Arte Moderno de 1913, Ciudad de Nueva York © Percy Rainford

Marcel Duchamp

Ambiguo artísticamente y nacido un 28 de julio en Blainville-Crevon, pequeña localidad de la Alta-Normandía francesa, el artista proviene de una familia de artistas, y sus primeras influencias las encontramos en el Impresionismo y en Post-Impresionistas.

Marcel Duchamp

Retrato de Marcel Duchamp realizado en 1953 © Victor Obsatz

De 1911-1912 data su obra Desnudo Bajando la Escalera, en la que se aprecia los conocimientos adquiridos del cubismo combinados con la actitud dadaísta, pues podemos apreciar un análisis del movimiento pero también, y muy importante, una burla hacia el cubismo por dividir piezas.

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Desnudo Bajando la Escalera, 1911-1912, Marcel Duchamp, Philadelphia Museum of Art

Inmediatamente después saca a la luz las máquinas solteras, aquellas que según el dadaísmo son las únicas nacidas sin madre. Las obras llevan por nombre Rueda de Bicicleta, Botellero y Fuente/Urinario. Son objetos vacíos de una idea filosófica, es decir, representan el sinsentido de la vida contemporánea. Para que quede claro: la obra Rueda de Bicicleta es la paradoja dadaísta, es un mundo absurdo que gira y gira pero que no llega a ninguna parte.

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Rueda de bicicleta, 1913, obra de Marcel Duchamp, Ready-made: rueda de bicicleta de 64.8 cm de diámetro fijada sobre un taburete de 60.2 cm de altura. Colección particular. Milán. Italia.

Pero su obra más conocida, con título desconcertante y con permiso deFuente/Urinario, es “La novia desnudada por su solteros, incluso, o El gran vidrio”. Se trata de dos superficies de vidrio, dos representaciones mecánico-simbólicas. Arriba se encuentra la novia de blanco y abajo los solteros. Estos solteros no alcanzan a la novia, ¡ni siquiera vemos su anhelo de poder tocarla! Se dice que tal efecto se enfatiza debido al quebrarse la propia obra en un traslado, y la reacción de Duchamp ante el incidente fue serena, ¡incluso llegó a considerar la obra finalizada! Aquí vemos de nuevo la ambigüedad en su obra: ¿una tomadura de pelo? ¿una obra relacionada con lo místico?

El Gran Vidrio, Marcel Duchamp (1915-1923), Philadelphia Museum of Art.

El Gran Vidrio, Marcel Duchamp (1915-1923), Óleo, barniz, hoja de plomo, hilo de plomo y polvo sobre dos placas de vidrio (quebradas) cada una montada entre dos paneles de vidrio, con cinco hilillos de vidrio, hoja de aluminio, marco de madera y acero. 272.5 x 175.8 cm. Colección Louise y Walter Arensberg. Philadelphia Museum of Art. Filadelfia. USA.

De lo que no hay duda es de que se trata de una obra precursora del dadaísmo por el sinsentido de la vida, es decir, por el nihilismo, y del Surrealismo por la temática sexual-simbólica. Pero sobre la ambigüedad en la obra de Marcel Duchamp es probable que sea el propio autor quien lo explique: “Las palabras no tienen absolutamente ninguna posibilidad de expresar nada. En cuanto empezamos a verter nuestros pensamientos en palabras y frases todo se va al traste”.

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Para mirar (del otro lado del cristal) con un ojo, de cerca, durante casi una hora. 1918, obra de Marcel Duchamp, Óleo sobre papel de plata, cable de plomo y lentes de aumento en soporte de vidrio (quebrado), 49.5 x 39.7 cm, montado entre dos paneles de vidrio dentro de un marco de metal, 51 x 41.2 x 3.7 cm, sobre una base de madera pintada, 55.8 cm. The Museum of Modern Art. Nueva York. USA.

Francis Picabia

El parisino es el autor de los retratos-máquina del dadaísmo. Sus comienzos son muy parecidos a los de Duchamp, pero a diferencia de éste, Picabia adquiere cierta fama como paisajista al estilo impresionista de Alfred Sisley y Camille Pissarro. Su época impresionista transcurre en los primeros años del siglo XX. Es desde entonces, y hasta 1913, cuando se desarrolla su etapa cubista. La última etapa propiamente cubista corresponde con el exilio en Nueva York, y es en la gran urbe americana, junto con Marcel Duchamp, donde sigue realizando pinturas cubistas y abstractas. Además, colabora en la revista 291, de Alfred Stieglitz.

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Estrella danzante y su escuela de danza, 1913, obra de Francis Picabia, Acuarela sobre papel. 55,9 x 76,2 cm. The Metropolitan Museum of Art. New York. USA.

Su obra dadaísta no tardar en llegar, y un año más tarde realiza las llamadas obras-mecánicas. Es en estos dibujos mecanomorfos donde el autor compara la situación entre el ser humano y la máquina, máquina que según él: “es la única nacida sin madre”. Son obras satíricas. Y en este viaje por la vida artística de Picabia, el siguiente destino es Barcelona, España, donde permanece por 2 años. Nos encontramos en 1916, y el autor, que sufre depresión, continúa con sus dibujos mecánicos. De esta época destacan obras como “Retrato de Marie Laurencin”, que se reproduce en la revista 391, copia de la revista neoyorkina 291.

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Retrato de Maríe Laurencin, 1916-17, obra de Francis Picabia, Tinta y acuarela sobre cartón. 56 x 45,5 cm.

En 1919 vuelve a viajar: primero a Zurich, Suiza, donde colabora con el dada originario con dibujos mecánicos como “Movimiento Dada”, y después aParís, donde sigue activo en el dada de Francia. En los años 20 realiza obras figurativas, como “La Mujer de las Cerillas II”, en la que seguimos advirtiendo la ironía y el sarcasmo en el empleo de monedas, cerillas y horquillas para delimitar los trazos del rostro y de la cabeza. De la etapa dadaísta de Francis Picabia se puede destacar que vivió y trabajó en los focos más representativos del dadaísmo, que fue el más irónico del grupo y seguramente el más talentoso, de ahí su satírica obra contra lo moderno y contra lo mecánico de la sociedad.

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La mujer de las cerillas II, 1924-25, obra de Francis Picabia, Óleo y collage sobre tela. 92 x 73 cm.

Man Ray

Man Ray (Filadelfia, 1890-París, 1976). Este pintor, fotógrafo, escultor y cineasta fue gran amigo de Salvador Dalí, y como en este último, siempre vemos en su obra un paso más allá hacia delante. El autor manipula hasta tal punto su obra que logra una completa inutilidad. Man Ray también pintaba, aunque reconocía no ser buen pintor. Su pintura se caracteriza por mostrar paisajes imaginarios. De sus collages destaca la firma, realizada con la impresión de su propia mano. En lo que respecta a la fotografía, experimenta con varias técnicas, como con la cliché-vidrio; el dejar el dispositivo de la cámara abierto o la invención de la rayografía, la denominada foto sin cámara.

Man Ray en París en 1975 © Lothar Wolleh

Man Ray en París en 1975 © Lothar Wolleh

París (1919-1922) Disolución del Movimiento

En 1919 el grupo de Zurich contacta en París con el futuro surrealista André Bretón. Ese mismo año publican “Les Camps Magnètics”, el primer manifiesto de escritura automática. Dos años más tarde publican una crítica al arte moderno, “Dada Soulêve Tout”, que la distribuyen en una conferencia de Marinetti, el fundador del Futurismo italiano. Pero es en 1922 cuando comienzan las diferencias con André Bretón, pues éste pretende delimitar Dada, pero Picabia y Duchamp se oponen alegando que va en contra del espíritu del grupo. En cualquier caso, la reforma propuesta por Bretón divide la formación, y en 1923, en el Teatro Michel de París, se enfrentan los llamados dadaístas contra los pre-surrealistas, el nuevo movimiento de Bretón.

'La reunión de los amigos', 1922, Óleo sobre tela, obra de Max Ernst, Museum Ludwig. Colonia. Alemania.

‘La reunión de los amigos’, 1922, Óleo sobre tela, obra de Max Ernst, Museum Ludwig. Colonia. Alemania.

Surrealismo y surrealistas

Los surrealistas no sólo denuncian y satirizan, desean a su vez crear una nueva humanidad. ¿Cómo? volviendo a unir lo irracional y lo racional del ser humano. Por lo tanto, la relación con el dadaísmo es más contextual que estructural, y hablar de los orígenes surrealistas nos lleva a mencionar artistas como Hieronymus Bosch (El Bosco) o a Giorgio de Chirico, es decir, un arte onírico y un arte metafísico.

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Momentos Clave y características del Surrealismo

El 24 de junio de 1917 se estrena en París la obra de teatro Las Mamellas (pechos, tetas) de Tiresias, de Guillaume Apollinaire, quien califica la danza de su obra como “un drama surrealista”, pues simboliza, según el propio autor, el ir más allá de la realidad. Los surrealistas se adjudican el término y dos años más tarde, de las experiencias en sesiones de trance hipnótico y de juegos sociológicos colectivos como la escritura automática, los relatos inconscientes y representaciones oníricas, nace la idea del movimiento surrealista.

Escenografía del 2001 para la ópera Les mamelles de Tirésias, de Francis Poulenc, basada en la obra de teatro de Apollinaire. © Sylvain Lhermitte

Escenografía del 2001 para la ópera Les mamelles de Tirésias, de Francis Poulenc, basada en la obra de teatro de Apollinaire. © Sylvain Lhermitte

En 1922, 1924 y 1930 editan Litterature, La Revolution Surrealiste y Le Surrealisme au Service de la Revolution, las tres grandes obras literarias del surrealismo, y es que, el surrealismo intentó combinar, no sin dificultades, Comunismo (de fracción Trotskista) y Psicoanálisis. Marx y Freud. Pero el surrealismo comienza a producir desconcierto y molestia a las otras vanguardias, como a la Abstracción, pues el surrealismo era además un estilo literario, cinematográfico, psicológico y figurativo (además de hermético). Los surrealistas iba por delante de la propia Vanguardia. 

Anuncio para la publicación del guión de la película Babaouo, 1932, Agua y collage, obra de Salvador Dalí, Propiedad particular.

Anuncio para la publicación del guión de la película Babaouo, 1932, Agua y collage, obra de Salvador Dalí, Propiedad particular.

Por estos motivos el surrealismo no podía ser sólo pictórico, pues el inconsciente es lo que prevalece en su estilo y en todos los formatos tenía cabida. Por lo tanto, en el surrealismo la imagen es lo principal y el sueño lo fundamental. André Breton, cofundador del surrealismo, mantenía que el sueño y la realidad debían ir unidos para hablar de una realidad absoluta, de una surrealidad.

'Imagen paranoica astral' ,1934, obra de Salvador Dalí. Óleo sobre madera. 'Ella Gallup Summer y Mary Catlin Summer Collection', The Wadsworth Atheneum. Hartford. Estados Unidos.

‘Imagen paranoica astral’ ,1934, obra de Salvador Dalí. Óleo sobre madera. ‘Ella Gallup Summer y Mary Catlin Summer Collection’, The Wadsworth Atheneum. Hartford. Estados Unidos.

René Magritte

Pertenece al movimiento surrealista belga (formado por el marchante de arte Camille Goemans, los poetas E.L.T. Mesens y Marcel Lecomnte y el teórico Paul Nougé) desde 1926, e influenciado por la pintura metafísica de Giorgio De Chirico, jugó con los límites entre lo real y lo aparentemente real, combinó lo oculto y lo público, lo erótico y lo siniestro.

Falso Espejo, Magritte

‘Falso Espejo’, 1928, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. Museo de arte moderno, Nueva York. U.S.A.

Ya en 1936 se une al movimiento el pintor Paul Delvaux, el que fuera experto en escenas nocturnas de sensuales figuras femeninas errantes. Este artista colocaba a dichas figuras en ciudades clásicas y victorianas empleando símbolos de vida y muerte. Pero, en cualquier caso, Delvaux fue académico…utilizaba la perspectiva geométrica tradicional. Pero sí, con sus símbolos rompía la idea de realidad.

'Amanecer en la ciudad', 1940, obra de Paul Delvaux. Óleo sobre lienzo. Banco Paribas Bélgica S.A.. Bruselas, Bélgica.

‘Amanecer en la ciudad’, 1940, obra de Paul Delvaux. Óleo sobre lienzo. Banco Paribas Bélgica S.A.. Bruselas, Bélgica.

René Magritte 1898, Lessines, Bélgica – 1967, Bruselas, Bélgica

Sus primeras obras se acercan a la abstracción. En 1924 estudia la pintura de Giorgio De Chirico y recibe el apoyo económico del marchante Goemans. Así puede dedicarse de lleno al arte, y así viaja a París, donde conoce a André Breton y hace amistad con el resto del grupo surrealista parisino. Es Max Ernst quien le influye con su visión del collage.

René Magritte © Lothar Wolleh

René Magritte © Lothar Wolleh

Dentro de su pintura se estudian cinco grupos temático-técnicos

1- Detectivescos, aquellos basados en novelas policíacas. Son obras basadas en la temática del camuflaje, donde carga las pinturas con un contenido dramático.

El Asesino Amenazado, Magritte

‘El Asesino Amenazado’, 1926, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. ‘Kay Sage Tanguy Fund’, Museo de Arte Moderno. Nueva York. U.S.A.

2- Cuadros dentro del Cuadro, la etapa se inicia con la obra La Travesía Difícil. Son pinturas con paisajes insólitos en los que se habla de la no-identidad entre la obra y la realidad, entre lo representado y su representación. Son las obras más reconocibles del artista y provocan impresión ilusoria de realidad, es decir, son obras en las que lo planos, o han sido abolidos o están próximos a la ficción.

'La condición humana', 1933, obra de René Magritte Óleo sobre lienzo. The National Gallery of Art. Washington, USA.

‘La condición humana’, 1933, obra de René Magritte Óleo sobre lienzo. The National Gallery of Art. Washington, USA.

3-Linguisticos, obras en las que mezcla signo e imagen, y constituyen un medio para mostrar lo real dentro de un concepto.

'La clave de los sueños', 1930, Óleo sobre lienzo, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. Colección privada. París, Francia.

‘La clave de los sueños’, 1930, Óleo sobre lienzo, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. Colección privada. París, Francia.

4- Metamorfosis, emplea la técnica del Frottage: por la cual se obtienen imágenes mediante el frotamiento con un lápiz o carboncillo en un papel colocado sobre la superficie de un objeto. El papel aprehende y reproduce la textura y formas de la superficie que se halla debajo. Así elabora conexiones entre lo natural/artificial, abierto/cerrado, humano/animal, animal/vegetal, vegetal/mineral, animado/inanimado.

La Invención Colectiva, Magritte

‘La Invención Colectiva’, 1934, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

5- Combinatorios, Magritte incorpora elementos corrientes para experimentar. Estos elementos se encuentran aislados de sus funciones y de sus contextos ya que se combinan para crear espacios insólitos. De esta forma se conjuga lo familiar con lo absurdo, que según el artista, es lo que da lugar a la fantasía.

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‘La Eternidad’, 1935, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York, USA.

Conclusión

Es un surrealismo intelectual, una pintura filosófica, ya que muestra la paradoja de la imagen-realidad, como en una de sus obras más reproducidas: Ceci n’est pas une pipe (“Esto no es una pipa“). Magritte expresa de nuevo un contraste, entre una idea de la pipa y la realidad de una verdadera pipa.

Ceci n'est pas une pipe, René Magritte

‘La traición de las imágenes (Esto no es una pipa)’, 1928-1929, obra de René Magritte. Óleo sobre lienzo. County Museum. Los Angeles, California.

André Masson

Por último citamos a André Masson, otro de los artistas que acusó influencia fauvista y expresionista, y que practicó un dibujo irracionalista y delirante, es decir, un dibujo automático. André Masson, nacido en 1896 en la pequeña localidad de Balagny-sur-Thérain, Francia, se estudia como uno de los pioneros del surrealismo, aunque, en realidad, fue un inclasificable, uno que iba y venía del surrealismo, pues se paseaba libremente por el Fauvismo, el Expresionismo Alemán y la Abstracción. Fue, sin lugar a dudas, un rebelde, uno que siempre tuvo en mente a autores como Paracelso, Nietzsche o Heráclito.

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‘Mujeres (dibujo erótico)’, Tinta y acuarela, 1921-22, obra de André Masson. Colección Masson.

Fue también, para muchos de su entorno y para ciertos eruditos, un antisocial que consideraba a la masa social decadente. Así lo demuestra su propia obra, siempre según los expertos en la materia, ejecutada de forma violenta, en trance. Todo esto supuso que, y quizás por motivos políticos (él era anarquista) o tal vez por su forma de representar el erotismo en sus obras, un erotismo casi ritual y cruel, rompiese relaciones con el movimiento surrealista en 1928. Poco tiempo después es cierto que retoma contacto con los surrealistas en París, como lo es también que viajó a lo largo de su larga vida (vivió 101 años) por Europa, El Caribe y Estados Unidos de América, en este último lugar dejando huella a los conocidos como expresionistas abstractos.

'Los segadores andaluces', 1935, Óleo sobre tela, obra de André Masson, Galerie Louise Leiris. París, Francia

‘Los segadores andaluces’, 1935, Óleo sobre tela, obra de André Masson, Galerie Louise Leiris. París, Francia

Conclusión

Decir que el Surrealismo surge directamente del Dadaísmo es ir demasiado hacia delante. Aunque, es cierto que al igual que hicieron los dadaístas, el llamado surrealismo se posiciona contra el discurso oficial y menosprecia la propaganda política de posguerra. Y es que, si el dadaísmo niega, el surrealismo es el paso de la negación a la afirmación.

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La invención de los monstruos, obra de Salvador Dalí, 1937. Óleo sobre lienzo. 51,2 x 78,5 cm. Instituto de Arte de Chicago, USA.

Un completo inclasificable: Henri Rousseau (el aduanero)

Su particular forma de evasión influirá años más tarde en dadaístas y surrealistas. Henri Rousseau, apodado el aduanero, nace un 21 de mayo de 1844 en Laval, ciudad del Valle del Loira francés, y no es hasta pasados los 40 años cuando comienza a dedicarse de lleno a la pintura. Su vida personal no fue tan bohemia como la de Toulouse-Lautrec, ni tan alocada como la de Paul Gaugin o ni siquiera tan violenta como la de Vincent van Gogh. Eso sí, su pintura es otra cosa.

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Los campos de pastoreo, Henri Rousseau, 1910. Óleo sobre lienzo. 46 x 55 cm. Fundación Ishibashi. Bridgestone Museum of Art. Tokio.

De joven intenta graduarse en derecho, cosa que no sucede, y tras pasar cuatro años en el ejército, en 1868 forma una familia con Clèmence Boitard. Con 24 años la familia Rousseau emigra a París. Es la época de aduanero, etapa que no finaliza hasta 1886, cuando expone en el Salón de los Independientes de la capital francesa.

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¡Sorpresa!, obra de Henri Rousseau, 1891, Óleo sobre lienzo. 130 x 162 cm. The National Gallery. Londres. Inglaterra.

¿Qué podemos decir de Rousseau como pintor?

Es difícil clasificar su pintura dentro de un estilo. Muchos teóricos lo hacen dentro del Arte Naïf, ya que ‘Naif’ significa ingenuo, infantil…y así fue cómo veían la obra de Rousseau, la obra de un aficionado, la de un simple dominguero. A decir verdad, Rousseau fue un autodidacta, y se le llama ‘antiimpresionista’ debido a que en sus cuadros no se aprecia el aire ni los efectos de la luz sobre los objetos. El pintor transformó lo cotidiano en algo misterioso. Su luz es irreal, donde lo claro y lo oscuro no se confunden, y es que a a él le interesa más el detalle y el colorido que la obligada profundidad.

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Vista de Malakoff, obra de Henri Rousseau, 1908. Óleo sobre lienzo. 46 x 55 cm. Propiedad privada. Suiza.

Aunque la novedad y la absoluta sinceridad del artista hicieron que pintores simbolistas como Paul Gaugin y Odilon Redon aceptasen a Rousseau como artista, pues según ellos, veían en él la esencia de un pintor. De todas formas el de Laval se alejaba del simbolismo de Gaugin y sus pueblos primitivos. El aduanero planteaba otra realidad, la de las culturas populares del mundo occidental transformando lo cotidiano en algo irreal, exótico y enigmático. Así demostraba, a su manera, otra forma de evasión, y es que, desde aquellos visionarios pre-románticos del siglo XVIII, pasando por impresionistas y post-impresionistas, todos buscaban lo mismo: alejarse de lo académico, es decir, de lo establecido, del mundo de la razón.

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La Encantadora de serpiente, obra de Henri Rousseau, 1907. Óleo sobre lienzo. 169 x 189.5 cm. Museo de Orsay. París. Francia.

Para comprender mejor la terminología y el contexto histórico se recomienda consultar los siguientes enlaces

Salvador Dalí: arte y ciencia

La composición y el espacio en la materia pictórica

Pintura y materia: el color y la luz

Bibliografía consultada

(1996) JULIÁN, I., El Siglo XX, El Surrealismo. Editorial Espasa-Calpe, Madrid

(2010) SERRANO DE HARO SORIANO.,Dadaísmo y Surrealismo: una estética de contradicción. El Arte del Siglo XX. UNED, Madrid.

 

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